Del 4 de julio al 13 de octubre del 2019
VC#020 DAVID DOMINGO aka STANLEY SUNDAY [web de la artista]
Con la presencia de David Domingo, continuamos con una tradición del propio DA2, a la hora de visibilizar y darle entidad al formato videoclip. En la línea de las exposiciones dedicadas a Chris Cunningham y la recordada doble exposición que bajo el título “Video Killed the Radio Star” ocupó el Centro entre los años 2005 y 2006 es ahora, a través de la figura de uno de los más iconoclastas realizadores de la actualidad, que trazamos un recorrido del panorama del videoclip en España.
David, está vinculado a la productora más reconocida de este género “O Estudio Creativo” con base en Barcelona y sedes en Madrid, Londres y Los Ángeles, donde también trabajan Luis Cerveró o Diana Kunst, con trayectorias internacionales, vinculadas a la realización de videoclips.
En sus trabajos despliega toda una imaginería influida por la cultura popular, las referencias queer y un sentido del humor tan bello como naif.
A través de una veintena de cortos, tres largos (incluyendo su visión personal de “Bambi” de Disney y “El exorcista”, convertido en largometraje musical) divertidísimas performances en directo mientras proyecta sus películas en súper-8 y 16 mm y su mítico fanzine quinquenal “Un día en la vida de Jonas Mekas”, se ha convertido en una de las figuras más destacadas del cine underground.
Desde
Visiones Contemporáneas, queremos acercarnos a su figura más postmoderna, la de
creador de videoclips en la era digital. Un trabajo vinculado a la generación Tumblr
e Instagram que en manos de Stanley Sunday cobra una nueva dimensión en términos
de net-art.
Sus películas se han proyectado y expuesto en algunos de los principales museos, centros de arte y festivales de España, como Xcèntric (CCCB) y el Centre d’Art Santa Mònica en Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro de Arte Dos de Mayo y La Casa Encendida en Madrid. El S8 Mostra de Cine Periférico de A Coruña, el Festival de Cine de Sitges o el Cinema Jove de Valencia.
PROGRAMA
[dossier en .pdf]
> Afrika Pseudobruitismus - Imagine.
Sonido. Color. Digital. 2012. 3’10’’
> Hidrogenesse - Siglo XIX.
Sonido. Color. Digital. 2015. 3’52’’
> Papa Topo - Lágrimas de Cocodrilo.
Sonido. Color. Digital. 2016. 3’16’’
> La Bien Querida - Luna Nueva. Sonido.
Color. Digital. 2013. 3’57’’
> Lidia Damunt - El Túnel.
Sonido. Color. Digital. 2018. 3’12’’
> Fangoria - Geometría Polisentimental.
Sonido. Color. Digital. 2016. 4’14’’
> Aries - Juramento Mantarraya.
Sonido. Color. Digital. 2019. 3’26’’
> Javiera Mena - El Espejo. Sonido.
Color. Digital. 2018. 4’25’’
> Meneo - Vamo a Ve.
Sonido. Color. Digital. 2013. 4’13’’
Del 14 de febrero al 26 de mayo del 2019
VC#019 ELENA LÓPEZ RIERA
Elena López Riera es cineasta y docente alicantina, con base en Suiza.
Doctora en Comunicación Audiovisual, ha enseñado cine y literatura
comparada en la Universidad de Ginebra. Siendo también invitada como
investigadora a la Universidad Sorbonne-Paris III y como profesora a la
Universidad Carlos III en Madrid.
En 2009 funda el colectivo de experimentación audiovisual Lacasinegra
quienes, tras varios años trabajando con diferentes formatos en torno a
las prácticas artísticas, en 2014 realizaron el largometraje “Pas à
Genève”. En solitario, estrenó Pueblo en la Quinzaine des Réalisateurs
de Cannes de 2015. Desde entonces no ha parado de cosechar premios en
algunos de los certámenes más prestigiosos a nivel internacional como el
Festival internacional de cine de Locarno, el Festival de cine europeo
de Sevilla o el Festival internacional de cine de San Sebastián, donde
en su última edición ganó una mención especial del jurado y fue
seleccionada con su nuevo proyecto, el largometraje “El agua” en
Ikusmira Berriak 2018, un programa de apoyo a proyectos audiovisuales
que apuesten por la innovación y la experimentación.
Para este ciclo, hemos seleccionado sus tres últimas películas rodadas
en solitario: “Pueblo” (2015), “Las Vísceras” (2016) y “Los que desean”
(2018) un conjunto de trabajos que transitan en torno a los límites de
la no-ficción, teniendo como protagonista los escenarios de su pueblo
natal, Orihuela (Alicante), los rituales y tradiciones que componen la
memoria del lugar y funcionan como eslabón generacional, creando
comunidades que incorporan a personas de todas las edades, atraídas por
estas ceremonias.
PROGRAMA
> PUEBLO.
Sonido. Color. Digital. 2015. 27’
> LAS VISCERAS.
Sonido. Color. Digital. 2016. 15’
> LOS QUE DESEAN.
Sonido. Color. Digital. 2018. 24’
Del 24 de octubre al 10 de febrero del 2019
VC#018 DORA GARCÍA [web de la artista]
La práctica artística de Dora García, transita entre el cine, la
performance, el texto y el dibujo estableciendo relaciones entre la realidad y
la ficción. Trabaja activamente con el público como espectador y en su obra aparece
una red de referentes intelectuales; James Joyce,
Jacques Lacan,
Oscar Masotta o Ricardo
Piglia, de los que se “alimenta “para llevar a cabo cada una de sus
obras.
Profundiza en la idea de trabajo colectivo y de
autoría múltiple, interpelando al espectador como sujeto activo, en cada una de
esas performances. Entendiendo el arte contemporáneo como algo que fluye y va
creciendo, no que se queda y muere en la sala de un museo.
Nacida en Valladolid en 1965, estudió Bellas Artes en la Universidad de Salamanca y posteriormente en la Rijksakademie de Ámsterdam. Tras vivir casi dos décadas en Bruselas tiene ahora fijada su base en Barcelona.
Referente internacional dentro del arte contemporáneo, ha participado en la Bienal de Venecia del 2011 (pabellón nacional, proyecto Lo Inadecuado), la del 2013 (pabellón de Mónaco, proyecto The Joycean Society) y el 2015 (exposición internacional, proyecto The Sinthome Score); la Documenta 13 en 2012 (proyecto Klau Mich) y Munster Sculpture Projects en 2007 (proyecto The Beggar’s Opera). Recientemente ha presentado individuales en Toronto Power Plant; IVAM, Valencia, The Tetley, Leeds; Galerie Michel Rein, París, La Verrière, Bruselas y el Museo Nacional Reina Sofia donde este 2018, ha presentado la exposición “Segunda Vez”. Es profesora en la Academia Nacional de Arte en Oslo y la escuela HEAD en Ginebra y es miembro de la facultad del PEI en MACBA Barcelona. Codirige, desde 2012, Les Laboratoires d'Aubervilliers en Paris.
PROGRAMA
> THE BREATHING LESSON
Sonido. Color. Digital. 2001. 6
′
> THE DEVIANT
MAJORITY - FROM BASAGLIA TO BRAZIL
Sonido. Color. Digital. VOSE. 2010. 34’
> SEGUNDA VEZ
Sonido. Color. Digital. 2017. 43’
El 24 de octubre a las 19h. Dora García impartirá una clase magistral, en el salón de actos del DA2, bajo el título “De performance filmada a largometraje, de evento a filme, primera y segunda vez” con entrada libre
Del 19 de junio al 14 de octubre
VC#017 DIANA TOUCEDO [web de la artista]
Cineastas y montadora, Diana Toucedo, es la protagonista del décimo séptimo Visiones Contemporánes. Como autora, varios son los conceptos sobre los que orbita su obra y que de una manera u otra están presentes en todo su trabajo. La idea de lo
fantasmal, elemento siempre vinculado a la imagen cinematográfica, nos coloca
en un punto intermedio entre la presencia y la ausencia, a través de espectros,
que Diana invoca y que pueden referirse a una falta de la figura masculina en
sus películas (ausencia del padre) o a la propia materia fílmica y su deambular
entre la luz y la oscuridad. Esas fantasmagorías, otorgan a su obra una
sensación de tiempo suspendido en el que cohabitan pasado, presente y futuro. Otro de los temas tratados, es el cuerpo de la mujer, canalizado frente a
sus propios fantasmas, sus miedos y angustias, mostrado como otra forma de
repensar su historia personal. Así como el mar, paisaje y memoria que sirve
como elemento autobiográfico (Diana es hija de marinero) enmarcado en la
necesidad de volver a las propias raíces. Todo ello unido a una constante
reflexión sobre la imagen cinematográfica, a través de la apropiación de material
de archivo y la confrontación de estas imágenes a través del montaje.
La obra de Diana Toucedo se presenta por primera vez en Salamanca, después
de haber recorrido con éxito numerosos festivales y certámenes, como el
Festival Internacional de Cine de Berlín, L’Alternativa en Barcelona, Zinebi en
Bilbao, Alcances Cádiz o el Festival de cine de Málaga
PROGRAMA
[dossier en .pdf]
> IMÁGENES SECRETAS
Sonido. Color. Digital. 2013. 18′
> SER DE LUZ
Sonido. B/N y color. Digital. 2009. 6′
> CORPO PRETO
Sonido. B/N y Color. Digital. 2016. 7’ 40″
> HOMES
Sonido. Color. Digital. 2016. 10′
Del 15 de febrero al 17 de mayo de 2018
VC#016 ROSANA ANTOLÍ [web de la artista]
Rosana Antolí se perfila como una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. Trabaja en torno al loop, la repetición, interrelacionando la danza y la performance con la imagen. Se mueve en formatos híbridos, entre la coreografía y el dibujo. Ella misma define su obra como “pintura en movimiento” donde el espectador se hace partícipe y puede orbitar en torno a ella.
Rosana transita entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones. En su obra encontramos un equilibrio perfecto entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Rosana nos cuenta historias, se interesa por el relato pero no de una forma tradicional si no haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.
El año pasado, fue premiada con la beca para jóvenes creadores, Generación 2017 de Fundación Monte Madrid, afianzándola como una de las mejores artistas visuales de la actualidad. En 2015 es galardonada con la beca Multiverso, concedida por el BBVA. Con un pie en Londres y el otro en el resto del mundo, Rosana Antolí ha trabajado en proyectos individuales y colectivos tanto en Inglaterra y España como en otros países (Argentina, Cuba, Colombia, México, Estados Unidos, Suiza, Holanda o Alemania). Actualmente está representada en España por la galería Espai Tactel de Valencia, con la cual expuso en la sección Opening de ARCOMadrid 2017.
Para este programa de Visiones Contemporáneas nos centramos en sus últimos trabajos en vídeo, divididos en cuatro performances audiovisuales más la película “Piri Reis: La continuación de un mito” que ha supuesto un punto de inflexión en su carrera tanto por la temática tratada como por su formato y duración.
PROGRAMA
> WALKATIVE: FROM MILE END TO THE CITY. A CHOREOGRAPHY OF THE RESISTENCE
Sonido. Color. Digital. 2015. VOSE. 6’ 39″
> EVERYTHING IS CIRCULAR UNTIL IS NOT
Sonido. B/N. Digital. 2016. 3’53’’
> ETERNAL RETURN OF THE SAME
Sonido. B/N. Digital. 2016. VOSE. 10’
> INSTRUCCIONES PARA BESAR
Sonido. Color. Digital. 2016. 3’51″
> PIRI REIS: LA CONTINUACIÓN DE UN MITO
Sonido. Color. Digital. 2017. 22’
Del 26 de octubre al 04 de febrero de 2018
VC#015 MARÍA RUIDO [web de la artista]
María lleva trabajando desde el año 1998 en distintos proyectos interdisciplinares, que tratan principalmente las temáticas del trabajo en el capitalismo actual y el lugar que ocupa la mujer dentro de la sociedad neoliberal. Así como sobre los mecanismos de construcción de la memoria y su relación con la “ficcionalidad” de la historia. En los últimos años, se ha embarcado también en los estudios y pensamiento decolonial a partir de las revueltas árabes del año 2011 y la llegada masiva de migrantes a las costas del mediterráneo.
Precisamente, para este nuevo programa de Visiones Contemporáneas hemos querido centrarnos en dos de sus producciones más recientes “El sueño ha terminado” (2014) y “El Ojo imperativo” (2015), que se centran en estos temas.
Licenciada en Historia del Arte Contemporáneo por la Universidad de Santiago de Compostela y Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, ha cursado estudios de Teoría del Arte en Ar. Co. y durante 2008 fue Visiting Researcher en CILAVS (Centre for Iberian and Latin American Visual Studies) de la Universidad de Londres.
Su obra, a nivel individual, ha sido expuesta en Centre d´Art Santa Mònica de Barcelona, Galería Ad Hoc de Vigo, Circulo de Bellas Artes de Madrid o C. C. Puertas de Castilla en Murcia. Ha participado en exposiciones colectivas, en el MACBA y el CCCB de Barcelona, La Casa Encendida y el MNCARS de Madrid, Centro Cultural Montehermoso en Vitoria, MUSAC en León y en festivales de cine internacionales tan reconocidos como DocumentaMadrid, Rencontres Internationales, FIDMarseille o Festival Dei Popoli.
PROGRAMA
> LE RÊVE
EST FINI (El Sueño ha terminado)
Sonido. Color. Digital y Super8. 2014. VOSE.
47’
> L´OEIL IMPÉRATIF (El Ojo Imperativo)
Sonido. Color.
Digital, Super8, 16mm y 35mm. 2015. VOSE. 61’
El día 26 de octubre, María Ruido impartirá una Master Class a las 19h en el Salón de actos del DA2 - Domus Artium 2002, con entrada libre hasta completar el aforo
Del 28 de junio al 15 de octubre de 2017
VC#014 LAS CHICAS DE PASAIK [web de Maider Fernández, web de María Elorza]
Las chicas de Pasaik, el dúo artístico formado en 2013 por María Elorza y Maider Fernández, dos artistas visuales, con base en San Sebastián, que además de trabajar juntas, son amigas y comparten espacios, personajes y momentos comunes, ingredientes todos que se reflejan en cada una de sus obras.
El ámbito de lo doméstico, las familias, los recuerdos, los amigos, los veranos, la ciudad de San Sebastián, son temáticas recurrentes en su filmografía, en una forma de recuperar las vivencias y la memoria personal de la gente. Una suerte de retazos de vida, de marcado carácter autobiográfico, en donde lo personal y el cine se fusionan en un todo, lleno de libertad creativa.
A la hora de afrontar su trabajo, la cámara se convierte en la herramienta que permite posicionar a cada uno en su rol dentro de la obra, unas como cineastas otros como personajes, facilitando así que las cosas sucedan y poder reflexionar sobre la sencilla belleza, que radica en el hecho de lo cotidiano.
Películas en apariencia pequeñas y que pueden enmarcarse dentro del cine “amateur” en cuanto a su frescura formal, en el que la importancia de captar el momento por encima de todo, les lleva a grabar con el dispositivo que tengan más a mano, ya sea una cámara profesional o un teléfono móvil. Un cine que emociona y sabe llegar, desde lo más cercano, hacia una reflexión sobre los temas universales.
Las chicas de Pasaik cuentan con una trayectoria breve pero intensa, que ya las ha llevado a ser premiadas en algunos de los festivales de cine más importantes del estado, véase Zinebi (Bilbao), Alcances (Cádiz), Festival de Cine Europeo de Sevilla, L’Alternativa (Barcelona), El Festival Internacional de Cine de San Sebastián o más recientemente El Festival de Cine Español de Málaga, donde, este año, se llevaron el premio al mejor cortometraje documental.
PROGRAMA
> AGOSTO SIN TI
Sonido. Color. Digital. 2015. 22’
> GURE HORMEK
Sonido. Color. Digital. 2016. 17’
> LA CHICA DE LA LUZ
Sonido. Color. Digital. 2016. 12’
Del 16 de febrero al 4 de junio 2017
VC#013 ELOY DOMÍNGUEZ SERÉN [web del artista]
Eloy Domínguez Serén, cineasta gallego, formado en la Universidad de Salamanca, posteriormente, continuó sus estudios de cine en Milán y Barcelona. Su obra se enmarca en el cine de no ficción, en el que a partir de la observación del entorno que le rodea y el encuentro con lo inesperado, reflexiona sobre el yo y su relación con el otro, estableciendo un diálogo entre ambos, a través de elementos cotidianos como son el paisaje, el trabajo y el idioma, algo que en gran medida viene marcado por su condición de emigrante. En 2012 se instaló en Suecia, donde ha desarrollado gran parte de su carrera.
En sus películas, la cámara se convierte en la herramienta que le sirve de nexo de unión con el mundo, favoreciendo así la relación entre artista y quienes lo habitan. Llegando incluso a abandonar su lugar como cineasta, para integrarse como sujeto activo de su propia obra. Consiguiendo así que éstas sean, a su vez, un proceso de exploración de otras culturas, de otros espacios que, como espectadores, vamos descubriendo y construyendo junto a él.
Desde que en 2013 realizara Pettring, sus películas han sido seleccionadas y premiadas en algunos de los festivales de cine más prestigiosos a nivel internacional, como FIDMarseille (Francia) Visions du Réel (Suiza) Mar del Plata (Argentina) Jihlava (República Checa) FICValdivia (Chile) o SEFF y L’Alternativa (España). En febrero del 2017, participa en el Berlinale Talents del Festival Internacional de cine de Berlín, presentando su nuevo proyecto de largometraje “Hamada”
PROGRAMA
> PETTRING
Sonido. Color. Digital. 2013. 20’
> NO NOVO CÉIO
Sonido. Color. Digital. 2014. 6’
> YELLOW BRICK ROAD
Sonido. Color. Digital. 2015. 14’
> RUST
Sonido. Color. Digital. 2016. 14’
Del 27 de octubre a 29 enero 2017
VC#012 MOMU & NO ES [web de las artistas]
Momu & No Es son el dúo formado por Eva Noguera y Lucía Moreno, dos artistas que llevan trabajando juntas desde el año 2004. A través de instalaciones, performance y películas sus proyectos generan dinámicas basadas en la fantasía y el imaginario adolescente, no exentas de un oscuro simbolismo, a través del cual reflexionan sobre las relaciones de amistad, la condición humana en el marco de una sociedad post internet y los extraños y en ocasiones maravillosos engranajes, que lo mantienen todo en funcionamiento.
Partiendo del arte conceptual, la performance de los años 70 y una base en textos filosóficos, desarrollan y evolucionan en su trayectoria hacía un “arte fresco”, personal y directo que sabe entroncar con el público, sin perder capacidad crítica.
Su trabajo se ha expuesto en España (CA2M - Centro de Arte Dos de Mayo, CASM - Centro de Arte Santa Mónica o Caixa Fórum Barcelona) Países Bajos (Ellen de Brujine Projects - Ámsterdam) Estados Unidos (CUAC - Central Utah Art Center) o México (MACG - Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F.) y en Bienales de arte como la 11 Bienal de la Habana o la 13 Bienal de arte de Estambul. Siendo consideradas por la crítica especializada, unas de las artistas emergentes con mayor y más relevante proyección internacional
PROGRAMA[dossier en .pdf]
> MOHAI
Sonido.Color. Digital. 2010. 13’
> TALES OF WONDER SITE
Sonido. Color. Digital. 2010. 24’
> THE SOFT MUD AND FAN BOY
Sonido. Color. Digital. 2012. 16’
> LIFE OUR PROGRESSIVE THINKERS
Sonido. Color. Digital. 2013. 17’
Del 23 de junio al 18 de septiembre 2016
VC#011 LOIS PATIÑO [web de la artista]
Su obra parte de una experiencia contemplativa de lo inabarcable del paisaje y la insignificancia del hombre ante él. Con fuerte influencia de lo pictórico, recupera la idea romántica de lo sublime, a la que añade otros elementos relacionados con la historia y las leyendas que poblaron el territorio que registra o la reflexión crítica en referencia a la banalización turística de la naturaleza. Caminando en lo formal, hacia un paulatino proceso de abstracción de la imagen.
El trabajo de Patiño es uno de los más reconocidos a nivel internacional, sus películas han sido seleccionadas y premiadas en festivales de todo el mundo, como Locarno (Suiza) Ficunam (México) Jeonju (Coread del Sur) Clermont-Ferrand (Francia) Oberhausen (Alemania) Valdivia (Chile) o SEFF y L’Alternativa (España) por citar solo algunos, habiendo participado también en exposiciones en MACBA (Barcelona) La Casa Encendida (Madrid) Galería Solar (Vila do Conde) o Museo San Telmo (Donostia)
PROGRAMA
[dossier en .pdf]
> NA VIBRACIÓN
Sonido. Color. Digital. 2012. 12’
>
MONTAÑA EN SOMBRA
Sonido. Color. Digital. 2012. 14’
> NOITE SEM DISTÂNCIA
Sonido. Color. Digital. 2015. 23’
El día 23 de junio a las 19h. en el Salón de actos del DA2 - Domus
Artium 2002, Lois Patiño impartirá una Master Class, en la que bajo el título de “Tiempo y Paisaje”, nos hablará de su proceso creativo haciendo un recorrido a través de su trabajo.
La entrada es gratuita